Definición – Trabajo artístico realizado a partir de un objeto -o fragmento de este- de origen natural o industrial, pero que no fue creado originalmente por el artista. Se trata de objetos que pueden haber sido encontrados o adquiridos y que cobran un carácter de objeto artístico por medio de su modificación, intervención o interacción con otros elementos.
¿Qué es arte objeto Wikipedia?
De Wikipedia, la enciclopedia libre El término arte encontrado –más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé ; en inglés, found art o ready-made ) o confeccionado – describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque no cumplen una función artística en lo cotidiano, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados.
- Marcel Duchamp fue uno de los pioneros de su establecimiento a inicios del siglo XX,
- El arte encontrado deriva su identidad como arte del nombre que se le da por el artista.
- El arte encontrado tuvo como antecedente al cubismo,
- El contexto en el que se ubica, generalmente una galería o museo, es también un factor muy relevante.
La idea de dignificar objetos cotidianos de esta manera era originalmente un desafío chocante para la distinción hasta entonces es aceptada entre lo que se consideraba arte en oposición a lo que no era arte, El arte encontrado, sin embargo, tiene que tener creación artística, al menos una idea sobre ello.
¿Qué características tiene el arte objeto?
Características del arte objetual – El arte objetual comparte ciertas características con el arte conceptual, ambos pertenecientes a la postmodernidad o arte contemporáneo. Estas son algunas de las más reconocibles:
El arte objetual se focaliza casi por completo en la visión del artista sobre el objeto, más que en el objeto en sí mismo. Es más, genera una ruptura con el arte tradicional, con lienzo y con otros materiales característicos del arte de la época. La utilización de los objetos fuera de su contexto habitual, muchas veces controversial, pero siempre con la pretensión de generar sensaciones nuevas en el espectador. Lo más interesante del arte objetual es sin duda el poder que encierra de hacerte cuestionar la belleza de los objetos, te invita a reflexionar y a abstraer tus pensamientos lógicos en poder focalizar exclusivamente en la carga artística de dicho objeto. Por eso, una de las principales características del arte objeto es resignificar la idea de lo bello y cuestionar este concepto constantemente. El objeto modifica su sentido muchas veces de manera exagerada o grotesca para despertar la mirada crítica del espectador. El arte objetual requiere de cierta explicación por parte del artista para entender su enfoque y, así, poder ver su obra desde su perspectiva y comprender qué es lo que él quiso transmitir con ella. Esto no era necesario en obras de arte más realistas o empíricas donde la representación de las mismas era más fiel a la realidad de la que habían partido en un principio.
¿Qué es el arte como objeto educativo?
De Wikipedia, la enciclopedia libre «Enseñanza artística» redirige aquí. Para otras acepciones, véase Enseñanzas artísticas, La clase de dibujo, Michael Sweerts, ca.1656-1658. Estudio del desnudo en una academia, Giovanni Battista Tiepolo, 1720. Walker Art Center de Minneapolis, 1941. Los términos educación artística, pedagogía del arte, enseñanza del arte, aprendizaje del arte, enseñanza de las artes o alguna otra combinación son denominaciones para las diferentes modalidades y metodologías de enseñanza y aprendizaje del arte o las distintas artes y las instituciones relacionadas.
Las principales divisiones de este campo son la educación plástica y visual (EPV), la pedagogía musical o educación musical (de la música ) y la educación expresiva del cuerpo (de la expresión corporal y las artes escénicas – mímica, danza, teatro, artes circenses, entre otros-). Los profesionales del arte o « artistas » suelen destacar específicamente en alguna de ellas por sus condiciones naturales o « talento artístico »; sin embargo, como en toda profesión o actividad humana, se requiere de entrenamiento, estudio y constante actualización,
Los estudiantes de las distintas disciplinas artísticas pueden especializarse de forma extrema en una sola para alcanzar el virtuosismo o buscar su capacitación en otras, bien próximas o bien muy diferentes, formándose en nuevas manifestaciones artísticas y pedagógicas, con el fin de lograr un amplio panorama del campo de la expresión artística,
La educación artística incluye tanto la formación reglada u «oficial» que se ofrece a los que aspiran a una carrera profesional en el mundo del arte (que inicialmente se hacía en el entorno gremial de los talleres de oficios artísticos y posteriormente en el entorno de las academias, frente al que reaccionó el arte contemporáneo con la formación autodidacta y el arte alternativo y « bohemio » de los grupos de artistas, las « secesiones » y los refusés —«rechazados»—) como la formación que se ofrece a todos los niños y jóvenes en el entorno escolar (con distintas asignaturas regladas del currículo y con actividades extraescolares o como educación compensatoria) y la oferta de educación no formal y animación sociocultural que se pone a disposición de los dilettanti o amateurs (« aficionados ») adultos, así como los programas educativos de museos, centros culturales, ocupacionales, recreativos, universidades ( extensión universitaria ), prisiones, agencias de servicio social e incluso el arte callejero arte callejero,
A pesar de todas las renovaciones conceptuales y metodológicas en la educación en general, y en la artística en particular, la base de todo aprendizaje de las artes siempre ha sido la imitación del maestro por el discípulo y la búsqueda de la perfección a través de la repetición de la copia de los modelos, independientemente del papel mayor o menor que se considere que debe ocupar el desarrollo de la propia creatividad y el concepto de la originalidad,
¿Qué hace que un objeto sea una obra de arte?
Características. Algunas de las características más importantes de una obra de arte son: Es producto de la percepción de la realidad y de la imaginación del artista. Es fuente de conocimiento y de placer estético.
¿Cómo surge el arte objeto?
Origen del Arte Objetual – El término Arte Objetual comienza a hacerse conocido cuando Pablo Picasso en 1912 elabora la pintura llamada “Naturaleza muerta con silla de rejilla”, en la cual incorpora un pedazo de la rejilla de una silla para elaborar el retrato.
En 1913, el pintor y escultor francés Marcel Duchamp retomó la técnica de Picasso y le dio un nuevo giro, creando una serie de obras a partir de objetos que no eran considerados artísticos. De esta manera, nació el término “ready-made” o arte encontrado. Ese mismo año, Duchamp creó la primera obra de Arte Objetual llamada “Rueda de Bicicleta”, la cual es una rueda de bicicleta invertida e insertada dentro de un banco de madera.
El mismo artista reconoce que no tuvo ningún motivo para realizar dicha obra. Otra obra reconocida de Duchamp es “Fuente” (1917), la cual es un urinario y se convierte en una fuente sacada de su contexto habitual y puesta dentro de un museo. La intención del artista con esta intervención fue dar un mensaje hacia las personas y los críticos de que “cualquier cosa podía ser considerada arte si se encontraba en un museo” y que el arte estaba perdiendo su valor real.
¿Cómo se llama el arte de objetos?
2. Utiliza objetos comunes – El arte objetual utiliza objetos fuera de su contexto habitual, con la intención de producir sensaciones novedosas en el espectador. Cabe resaltar, que estos pueden ser todo tipo de piezas, desde las más comunes hasta las más raras; todo dependerá de lo que quiera expresar el artista.
¿Por qué el arte es subjetivo?
Ahora le toca el turno al arte como algo subjetivo – ¿Porqué se puede considerar el arte como subjetivo? El arte tiene la capacidad de transmitir emociones. Y las emociones son subjetivas. Por esta razón hay cuadros que pueden emocionar a algunos y dejar indiferente a otros.
- Pongamos por caso un cuadro de Miró,
- Seguramente hay muchos a los que les hace reflexionar y les provoca una reacción.
- Sea positiva o negativa, el artista de entrada ha conseguido su objetivo y es el poder transmitir una impresión de la realidad.
- Cabe señalar que algunos de los grandes artistas no provocaron reacciones en su época y más tarde se han convertido en grandes artistas de renombre.
Véase por ejemplo un Van Gogh que murió sin que se le reconocieran sus cuadros como arte y más tarde empezaron a tener un éxito internacional aplastante. 
Hirondelle Amour de Miró
¿Qué son los objetos y sus características?
Los objetos son todas aquellas cosas que nos rodean. Las principales características de los objetos son: el tamaño, la forma, el color, el brillo, el olor, el sabor, la textura y la dulzura.
¿Qué es el arte Montessori?
El arte es el medio más indicado para emplear, de manera constructiva, la energía creativa que esconden todos los niños. Maria Montessori elaboró en Italia el concepto de ‘experiencia’, según el cual el hacer y la acción representan la manifestación externa del pensamiento.
¿Cuál es el aporte del arte?
En un sentido general, el arte es cualquier actividad humana que recurre a emociones y al intelecto para crear obras que tienen características estéticas, Esto agrupa ámbitos diferentes -como la escultura, la pintura, la danza, la poesía, la cocina, el cine, los grabados, el teatro, las historietas, la fotografía y el arte numérico- los cuales han ido evolucionando a lo largo de la historia de la humanidad,
- Todo niño es un artista.
- El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer”, dijo Pablo Picasso.
- Para entenderlo, basta con fijarse en los niños que son capaces de tomar un lápiz y garabatear en una hoja de papel mucho antes de poder hablar: desde este punto de vista, el arte es sinónimo de creatividad, por consiguiente, es importante tanto para el desarrollo de habilidades y conocimientos, así como para implementar el aprendizaje y la experiencia.
El arte está estrechamente relacionado con la naturaleza humana, Las diferentes formas de representación artística corresponden a la necesidad o, más bien, a la característica fundamental de expresarse que poseen los seres humanos. El arte desempeña un papel mediador y motor de la comunicación, ya que el artista a través de su creación transmite no solo emociones, sino también mensajes, y nos hace reflexionar sobre nuestra existencia, los problemas sociales o la vida en general.
Desde esta perspectiva, se convierte en una herramienta que puede cambiar o educar a una sociedad, Como terapia, el arte puede brindar paz, felicidad, amor, esperanza a los seres humanos: por ejemplo, en situaciones donde las personas necesitan escuchar la música para curar su tristeza, ver comedias teatrales para reír, ver películas para soñar o simplemente para divertirse, aprender a conocer el pasado o contemplar obras artísticas para apreciar su belleza.
El arte es el reflejo de la cultura humana, por eso sirve para conservar el patrimonio cultural de un pueblo y transmitirlo de generación en generació. Además, es subjetivo, se expresa en un lenguaje universal y comprensible para cualquier ser humano, ya que apela a nuestros sentidos, emociones y facultad de pensar.
¿Qué es una expresión de arte?
Expresarse artísticamente implica utilizar medios y procedimientos artísticos para representar y comunicar ideas, sentimientos o emociones. Estos medios son múltiples y variados, y se configuran en lenguajes que poseen sus propios códigos.
¿Quién determina que un objeto sea una obra de arte?
La originalidad de la pieza – Uno de los factores que más se tiene en cuenta a la hora de valorar una obra es su originalidad. Con la originalidad se determina el número de piezas similares o idénticas que existen de la misma obra. Lógicamente, cuanto más única sea una obra de arte, mayor será su valor en el el mercado.
- Si nadie quiere pagar por un objeto, dicho objeto no tendrá valor.
- Esta es una regla básica de todos los mercados.
- Con el arte pasa igual.
- La gente pagará más dinero si muchas personas están deseando adquirir una obra en particular, y debido a que la oferta y la disponibilidad de las obras de arte suele ser reducida, los precios pueden escalar rápidamente en las subastas.
La demanda de una obra de arte puede verse afectada por diferentes periodos, y su precio puede fluctuar, dependiendo del interés del mercado en esa obra en concreto. Los coleccionistas, suelen aprovechar estas fluctuaciones en el precio de las obras de arte para comprarlas en momentos en los que pueden estar a un precio más bajo.
No hay únicamente un mercado, por lo que no existe un interés común para el arte. Una obra que en Europa puede cotizarse por millones de euros, en Latinoamérica puede valer mucho menos, o viceversa. Cada país o cada zona valorará el arte dependiendo de muchos factores, y uno de ellos es la historia de la obra.
Si la obra pertenece a la historia de un país en concreto, es mucho más probable que el precio de esa pieza sea mayor en esa zona. ¿Qué te ha parecido este post? ¿Añadirías algo? A nosotros nos encanta aprender y conocer tu punto de vista, así que te agradecemos mucho cualquier comentario que nos quieras dejar.
¿Cuál es el valor del arte?
El valor artístico de una obra está dado por la habilidad creativa, técnica, estética y expresiva de su autor expresada en dicha obra.
¿Qué es el arte objetual para niños?
En este capítulo se presenta el arte objetual, que utiliza utensilios y objetos cotidianos para elevarlos a la categoría de arte, al exhibirlos o disponerlos de manera tal que permitan apreciarlos como artículos y elementos únicos por su forma, utilidad y trascendencia.
¿Qué es no objetual?
¿Por qué a Medellín le importa el arte no objetual? La artista Susana Mejía organizó talleres de tejido en la cárcel de mujeres de Medellín a finales de la década pasada, en los cuales el acto repetitivo de tejer, parecido a un ritual, incentivaba la conversación, constituyéndose en un momento de catarsis.
Mejía tejió una gran cantidad de fique en este trabajo con las internas, que fue guardando como catalizador de la experiencia de diálogo. Formada en artes plásticas, Susana ha estado interesada en el color, pero también en la función social del arte. En este tipo de trabajos ella no presenta un resultado a través de un cuadro o un objeto, sino que crea una experiencia y, en parte, por eso, se vincula con el arte no objetual.
El trabajo de Susana sirve de introducción para hablar del segundo Coloquio Latinoamericano de Arte No Objetual y Arte Rural, que adelanta el Museo de Arte Moderno de Medellín, entre hoy y mañana. ¿Qué es el arte no objetual? La primera clave que se debe brindar para entenderlo está relacionada con su nombre: no objetual quiere decir sin objetos.
O como lo expresa el curador del Museo de Arte Moderno Emiliano Valdés: “es el arte que no tiene el objeto en el centro de la representación o que en su práctica lo más importante no es el objeto sino el proceso creativo”. Surgió en Estados Unidos después de la segunda Guerra Mundial, explica el curador Óscar Roldán, porque allí confluyeron numerosos artistas de diversas partes de Europa, escenario de esa confrontación bélica, en busca de protección para su vida.
No pocos de esos artistas llegados a Norteamérica propusieron, desde diversos puntos de vista, rupturas con el arte moderno, ese movimiento en el que los artistas no se conformaron con la imitación de la naturaleza o su representación literal, sino que experimentaron y llegaron incluso a la abstracción.
En ese moderno, las formas son importantes. El volumen define la escultura; los cuadros con pinturas, dibujos o grabados se pueden descolgar y volver a colgar. “Los artistas empezaron a revisar estos asuntos”, dice Óscar. Y no solo revisaron la forma sino el fondo: los contenidos e incluso las reflexiones alrededor del mismo comenzaron a hacer parte del arte.
Ahí viene lo de la función social del arte, de la que se preocupa Susana Mejía. De acuerdo con Lucrecia Piedrahita, estas acciones cambiaron la mirada política del arte. Hasta la modernidad, este era resultado de procesos individuales. Un artista conseguía expresar sus ideas o sentimientos en una obra.
- El arte no objetual plantea una relación del artista con el espectador.
- Por eso, el arte se involucra con los temas sociales contemporáneos.
- Asuntos que mueven la opinión pública, como en los últimos días, las manifestaciones de rechazo a las políticas migratorias del presidente de Estados Unidos, Donald Trump.
Los artistas hacen evidentes las micropolíticas que afectan a grandes minorías”. Y todo porque, como ella lo señala, la manifestación del arte no objetual es el performance. El cuerpo del artista en relación con objetos o con otros cuerpos. El performance, obviamente, tiene que ver con el teatro y con el rito.
En esta representación, en gran medida histriónica, Lucrecia menciona una segunda manifestación importante: el happening. Este se define como la experiencia que parte de la ecuación: provocación-participación-improvisación y se originó en los años cincuenta del siglo veinte. “Estas maneras del arte —dice Lucrecia— desatan pasiones en los espectadores, porque se encuentran con ellas de manera impensada”.
Añade que el performance tiene una duración más prolongada que el happening y posee, a diferencia de este, un guion predeterminado. En América Latina se vivía también, por ese tiempo, una desmaterialización del arte. Óscar Roldán se atreve a mencionar que un movimiento artístico como el Nadaísmo, en el que aparentemente prevalece la literatura con obras de poesía y narrativa, tiene que ver con esto, porque para Gonzalo Arango y sus seguidores no solamente era importante escribir y leer sus poemas o relatos, sino el escándalo que causaran a una sociedad que ellos consideraban pacata y pretendían despertar o sacudir del letargo de los tradicionalismos.
Según expresaron en su Manifiesto, querían “No dejar una fe intacta ni un ídolo en su sitio”. Por eso, los nadaístas recurrieron a manifestaciones con discursos escritos en papel higiénico, quemas simbólicas para incendiar la literatura colombiana, sacrilegio con hostias en la Basílica de Medellín, entre otros escándalos que llamaron la atención, movieron las iras de unos y las simpatías de otros.
“Pero ellos no lo llamaron arte no objetual —observa Óscar—. Ni le pusieron nombre a esos actos. La denominación arte no objetual tampoco tuvo mucho éxito. Triunfó, más bien, la de arte conceptual”. Emiliano Valdés menciona que los brasileños han explorado con mayor atención que otros latinoamericanos estas manifestaciones artísticas.
Organizado por el Museo de Arte Moderno de Medellín cuando apenas tenía tres años de fundación y con un edificio recién abierto en el sector de Carlos E. Restrepo, el primer Coloquio de Arte No objetual y Arte Urbano venía en la onda de las Bienales de Coltejer, importantes en la historia de la creación local y nacional.
Sin embargo, esa primera edición del Coloquio “fue una contrabienal —sostiene Óscar— porque es una afrenta contra el arte moderno, que fue el centro de las Bienales de Coltejer”. Ese evento, organizado por el curador Alberto Sierra, se considera uno de los grandes aportes, no solo del Museo sino de la ciudad, al arte del continente.
Causó furor. Unos dijeron: “eso es arte”; otros: “no, ni riesgos, eso no es arte”. Se agitó el ambiente creativo. Fue un suceso rompedor. “Pudo ser más rompedor el de 1981 que este que haremos hoy y mañana, claro, porque fue oportuno, había más discusión sobre la naturaleza del arte que ahora”, dice Emiliano.
A partir de ese momento, en nuestro medio se apreciaron más obras de performance en los museos y fuera de ellos, especialmente en universidades y parques. Óscar destaca, en esas jornadas de hace 36 años, los trabajos del maestro antioqueño Adolfo Bernal, muerto en 2008: Señales y Fin.
- Bernal lanzó una señal como de auxilio hacia el espectro electromagnético, señales en clave morse que decían MDE, las letras que identifican mundialmente a Medellín, como una especie de advertencia de lo que estaba sucediendo entre nosotros y de lo que vendría: la violencia, tal vez.
- El surgimiento de las guerras del narcotráfico, que por esos días no se consideraba nefasto, sino la actividad lucrativa de unos “vivos”, entre ellos integrantes de familias respetables.
Después del evento de 1981 se comenzó a hablar de arte olfativo y de instalación, manifestaciones que antes no se apreciaban por estos lados. Y ni siquiera había tomado fuerza la figura del curador. Lucrecia no cree que en nuestro medio se viva hoy un especial momento del arte no objetual, porque no tenemos grandes performistas.
- Idea que comparte Óscar, quien manifiesta que el pico más alto de este movimiento, ese “cuando los delirios de algunos los hacía decir que el aire es arte o que la caca es arte, ya están superados.
- Fue un momento fugaz y de graciosa recordación”.
- Lucrecia trae a la memoria los trabajos de Luz Mery Alzate y su grupo de la Universidad de Antioquia, en los años noventa.
Ese grupo estuvo seleccionado para el Salón Nacional de Arte Joven. “Las ideas y las poéticas del arte se han popularizado y difundido —expresa Emiliano Valdés—. Esta segunda edición busca que nos demos cuenta de los cambios que ha habido en este tema y si sigue siendo una propuesta válida.
- También, recuperar nuestra iniciativa de fomentar espacios de reflexión artística.
- Habrá una estrecha relación de los artistas con la comunidad”.
- Carlos Arturo Fernández Uribe, en el libro Arte en Colombia 1981-2006, editado por la Universidad de Antioquia, para referirse a las Bienales y el primer Coloquio, retoma una expresión de Arthur Danto, teórico estadounidense: “Eran manifestaciones artísticas absolutamente desconcertantes (.) los artistas se liberaron de la carga de la historia y fueron libres para hacer arte en cualquier sentido que desearan o sin ningún propósito.
Esta es la marca del arte contemporáneo”. Envigadeño dedicado a la escritura de periodismo narrativo y literatura. Libros de cuentos: Al filo de la realidad y El alma de las cosas. Periodismo: Contra el viento del olvido, en coautoría con William Ospina y Rubén López; Crónicas de humo, El Arca de Noé, y Vida y milagros.
¿Quién es Lila Dipp?
Artista visual dedicada al arte-objeto desde 1988. Ha participado en más de 30 exposiciones colectivas tanto en México como en el extranjero, y presentado una decena de exposiciones individuales.
¿Cómo se le llama al arte de figuras?
Origen del arte figurativo – El arte figurativo es fácil de entender, porque es el que utiliza figuras reconocibles como mímesis de la naturaleza. Pueden ser personas, objetos, animales cualquier forma que resulte reconocible al ojo humano. Su principal característica, es que busca una representación lo más exacta posible de la realidad.
¿Cómo se llama el arte con figuras?
¿Conoces el arte geométrico? – El arte geométrico, también conocido como abstracción geométrica, se denomina a aquello que se basa en el uso de formas geométricas combinado con composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Por ello, podemos decir que los artistas geométricos basan su proceso artístico en principios racionales para definir con claridad, precisión y objetividad la obra.
¿Quién creó el movimiento found art?
¿Qué es el Trash Art? – En el Trash Art, los creadores utilizan objetos y materiales considerados como escombros o residuos para sus obras. Los descontextualizan, modifican, unen o desunen para darle un nuevo significado e interpretación artísticas. Las creaciones pueden ser esculturas, murales e intervenciones, entre otros.
- La corriente actual de Trash Art, ligada al arte urbano y underground, tiene un hilo de conexión directo con las vanguardias del siglo XX,
- El Found Art del que participaron los dadaístas como Pablo Picasso, el ready-made de Marcel Duchamp y el mismo Junk Art (nombre sinónimo de Trash Art), fueron corrientes de reinterpretación de los objetos cotidianos y rechazo por los materiales clásicos y refinados.
Uno de los ejemplos más evidentes es la Fuente (1917) de Duchamp, el famoso urinario. Fuente, Marcel Duchamp, 1917. Imagen: Tate Hoy en día, además de buscar la belleza en la basura, el Trash Art tiene una evidente significación política. Con la amenaza del cambio climático cada vez más real, muchas de las expresiones de este movimiento tienen un componente crítico y hasta de rabia contra la sociedad de consumo y el impacto que tiene su enorme generación de residuos en el planeta.
¿Cómo se determina que un objeto puede ser considerado como arte?
Es la manifestación o expresión de cualquier actividad creativa y estética por parte de los seres humanos, donde plasman sus emociones, sentimientos y percepciones sobre la realidad o lo que imaginan con fines estéticos y simbólicos, utilizando diferentes recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
¿Qué es lo que se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con qué se aparecen a la vista?
La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador.
¿Cuál es la clasificación de las artes?
La clasificación o división de las bellas artes desde el siglo XX remite a los siete tipos de manifestaciones artísticas modernas, incluyendo al cine, la última disciplina en incorporarse. Las 7 bellas artes son la pintura, la escultura, la literatura, la música, la danza, la arquitectura y el cine.